Monica Heinrich

Podríamos coincidir en que David Fincher es en líneas generales un gran director, podríamos decir que si echamos un vistazo a su filmografía encontraremos de todo, pero nada que nos haga elaborar cartas bombas a su persona, a excepción quizás de su debut ALIEN 3 que según él mismo casi le quita las ganas de dirigir para siempre.

De esto, se puede concluir que La chica del dragón tatuado no será una mala película, pase lo que pase, pensemos lo que pensemos. “No puede ser mala, no puede ser mala, no puede ser mala.” (insertar mi imagen en una mecedora, abrazando una muñeca)

Ahora, podríamos decir que soy seguidora de Fincher y que me han gustado casi todos sus trabajos, podríamos decir que leí la saga Millenium y que vi la versión cinematográfica sueca, diremos, también, que fui la más emocionada al saber que Finchersito estaría involucrado en esta nueva apuesta.

Se puede concluir, también, que tendríamos cartón lleno. Felicidad y satisfacción, con orgasmo y fumada de pucho al final.

(Espacio reflexivo, donde se mezclan recuerdos de cines que ya no están y directores que ya murieron)

Y no. No. No. No. No. No.

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ESCAPE DEL HORROR

La vida es bella fue cuestionada en su momento por la “liviandad” con que abordaba el tema del holocausto. Recuerdo que en su época (1997) ríos de tinta corrieron a favor y en contra del filme. Yo amé La vida es bella, amé a Guido, amé a Principessa, amé su hermosa banda sonora, amé a Benigni, y me emocioné, como muchos, cuando el director italiano se trepó a las butacas en la entrega de los Oscar al saber que había ganado el Premio a Mejor Película Extranjera.

Lejos estaba de imaginar que en 1993, Radu Mihelanieu, director rumano, hijo de un judío comunista, veía La lista de Schindler y quedaba impactado. Así, decidía contar su visión, ya no del holocausto sino de lo que el ser humano consigue hacer en situaciones extremas. Esa visión se vería expuesta en el guión de El Tren de la Vida.

Entre 1995 y 1996, le envió el guión a Roberto Benigni para que interpretara a Schlomo, Benigni dijo “Me gusta” pero se excusó diciendo que él no actuaba en una película que no sea dirigida por él mismo. La incógnita, en todo caso, sigue siendo si Benigni plagió la idea al rumano o no. El rumano dice que Benigni, luego del éxito de La vida es bella, le dijo que él ya llevaba tiempo trabajando en ese proyecto cuando le envió el guión. ¿La verdad? Sólo la sabe Benigni, Mihaileanu puede confiar mas no asegurar.

Y aunque ambas películas sean diferentes en enfoque, es indudable que la comicidad con la que trabajaron acerca de un tema tan jodido, no puede ser casualidad. Y es indudable que después del éxito obtenido por La vida es bella, estrenada en 1997, la película del rumano estrenada en 1998, fue opacada por el filme italiano. Es como que en un mismo año salgan películas de gladiadores, la que tuvo la repercusión inicial es la que lleva las de ganar, las otras parecerán imitaciones.

Igual, entre ambas existen grandes diferencias. La diferencia principal estriba en que mientras La vida es bella trasladaba su acción a los campos de concentración, en El Tren de la vida, toda la trama transcurre prácticamente en el mencionado tren, y los nazis son judíos. Repito: LOS NAZIS SON JUDIOS.

A quien se pregunte cómo puede ser esto posible, procedo a aclarar semejante entruerto. La película comienza con un primer plano de Schlomo, el personaje principal que como característica tiene que lo consideran el loco de la aldea.

Schlomo empieza la película contando la historia de su aldea, diciéndonos que en el verano de 1941 vio algo que sus ojos no debían ver y que tuvo que correr hacia su aldea a contarle a sus vecinos.

Lo que se rumoreaba era verdad, los nazis se estaban acercando, los nazis pasaban por las aldeas y hacían desaparecer a comunidades completas de judíos . A bordo de sus trenes, se decía que los deportaban a campos, campos de exterminio, de donde nadie regresaba.

Schlomo lleva la noticia a la aldea, y los judíos se reúnen buscando una solución a algo que parece ser un callejón sin salida. ¿Qué pueden hacer? Defenderse con armas, dice uno de ellos. ¿Matar a los nazis? le pregunta otro, no, “sólo asustarlos”.

En esas charlas existenciales andan hasta que Schlomo da la solución. ¿Por qué no autodeportarse? Por qué no subirse a un tren todos y que algunos de ellos hagan el papel de deportados y otros hagan el papel de nazis? Schlomo el loco ha hablado.

Al principio no lo toman en cuenta, pero luego ven que es la mejor idea, cruzarán hasta Rusia y luego hacia la tierra santa: Palestina. El Tren de la vida, el tren que buscará la supervivencia de todos, ha comenzado su viaje.

El viaje que comienza como una lucha por la supervivencia, viene acompañado de los esfuerzos que hace la aldea para lograr llevar a cabo la travesía. Todos colaboran, las costumbres judías se ponen de manifiesto en algunas escenas, el horror parece aún muy lejano.

Se procede a definir quiénes harán el papel de nazis, se pide voluntarios, ninguno quiere, “deshonrará a mi familia”, “¿cómo se puede fingir ser nazi?”, “no, yo soy un hombre honrado”, alegan.

La elección se lleva a cabo después de una disertación entre los sabios (gente mayor de la aldea, que son consultados por el resto). La decisión es irrevocable,  se eligen los supuestos nazis, se define que pasarán lecciones de cómo ser nazis, aprenderán el acento, vestirán el atuendo, harán la señal a Hitler, todo, todo.

Una situación totalmente bizarra, totalmente surrealista, es puesta ante nuestros ojos, que no pueden más que sorprenderse del ingenio, del atrevimiento, de los huevos que pusieron para semejante empresa (aunque sea ficticio).

Entre otras cosas, se formará un grupo de comunistas que querrán escapar de la “deportación”, los “nazis” (judíos) buscarán a los escapados como si de verdad fueran prisioneros huídos. La película tiene guiños simpáticos, que no se entromete mucho con lo que pueden ser temas exageradamente sensibles como en La vida es bella, lo de los jabones, botones, cámaras de gas, etc..

Acá es más dentro de lo que sucede entre ellos mismos en pos de su salvación. El guión está muy muy bonito, es un guión poco artificial, aunque sea absurdo pensar que una situación como la que plantea la película pueda verse con naturalidad, pero el guión lo consigue.

Las actuaciones son muy buenas, Lionel Abelanski que interpreta a Schlomo es excelente, hace que pensés en qué suerte que Benigni rechazó el papel, tiene una mirada límpida, que construye un personaje nostálgicamente cómico. Este actor rumano, actualmente está tan solicitado que llega a trabajar en más de cinco proyectos al año.

La fotografía del francés Laurent Dalliant es por momentos poética, mágica. Creo que te deja algunas imágenes en la cabeza, por ejemplo la de la tapa del producto es una escena lindísima, hubo mucho cariño detrás de la cámara para lograr esa fotografía.

Un comentario especial merece la banda sonora. La música es BELLISSISISISIMA, sobre todo la de la escena con los gitanos, hermosa, apoteósica, linda….

Todo el soundtrack fue hecho por el compositor más reconocido de los Balcanes: Goran Bregovic. Bregovic es el mismo compositor que le ha hecho su banda sonora a la mayor parte de los filmes del gran Emir Kusturica.

El final…el final…un enorme, gran final. Jodido, pendejo. Un final que desde los 90s nos dejaba claro que el cine rumano tiene mucho que decir y aportar a la cinematografía mundial.

Finalmente, la dirección merece todo el reconocimiento que ha tenido y todos los premios que ha ganado (más de 40 premios en distintos festivales). Sin mucha alharaca y con mucho sentimiento narra una historia que te deja al borde del asiento toda la película, y que a pesar de ser una trama donde la comicidad prima sobre el horror, te golpea duramente, te hace sentir ese hueco en el estómago que el sólo pensar en el periodo de la 2da guerra mundial te provoca.

Al final vas a terminar con unas cuantas lágrimas corriendo por tus mejillas y preguntándote, como siempre, COMO PUDIERON?

CURIOSIDADES

- Radu Mihaileaniu ha dirigido recientemente el filme El Concierto, donde Lionel Abelanski es nuevamente su actor principal.

- El director es judío nacido en rumania pero a sus 22 años dejó su país para irse a Francia a estudiar cine.

- Mihaileanu ha publicado un libro de poemas en 1978.

- El Cine Center tiene como sus futuros estrenos el filme El Concierto, yo ya lo vi…y cuando esté en cartelera escribiré sobre esa experiencia.

Ante el estreno de The Reader, me permito hacer una semblanza de las 3 películas que tiene este director inglés hasta el momento. Filmes en los que se destaca una nivel siempre sobresaliente y que me han dado muy buenas experiencias como espectadora.

BILLY ELLIOT o Denme un tutú

Para los que no lo saben el tutú, es esa prenda de gasa que se ponen las bailarinas de ballet. Y digo denme un tutú, porque al ver Billy Elliot reavivé  mi gusto por el ballet. Y sí, ya me ven a mis veintipico añitos queriendo ponerme en puntas de pie (no lo intenten en sus casas). La película es hermosa, excepcional, con un fino estilo. ¿De qué trata? Pues se sitúa en Inglaterra allá por los años 80, cuando un niño de 14 años (Billy Elliot) empieza a sentir fascinación por el baile. Aunque su familia piensa que asiste a clases de boxeo (un oficio más masculino) él aprovecha para pasar ballet.

Procedente de una familia disfuncional, donde la madre murió, la abuela está un poquito tocada, el hermano es un radical extremista proletario y el padre un hombre de ideas un poco anticuadas, Billy Elliot desafía a su familia y la sociedad. La historia que es simple, encuentra su máxima virtud en esa simpleza. Nos muestra a un niño que gracias a su convicción y a su vocación, encuentra los elementos adecuados para triunfar. La maestra de baile, su amigo homosexual, su amiguita curiosa acerca del sexo, nos dan una pauta para mostrarnos el lado humano y enternecedor de la película. No tiene peros, ni excusas. Es una película imprescindible.

Esta es una película inglesa dirigida por Stephen Daldry, que antes de debutar en esta película como director, era director del Royal Court Theatre de Londres, o sea tenía más relación con el teatro, lo que obviamente ayuda con mucho a su dirección, que es más centrada en las emociones y en la parte humana.

Las actuaciones son impecables, el niño es un bailarín de verdad así que no necesitó dobles, hizo un trabajo de actuación sobresaliente que ya lo hizo acreedor de algunas nominaciones y de algunos premios de cine. La actriz Julie Walters encarna a la profesora de baile, en un trabajo tan acertado que también ya ha obtenido diversos reconocimientos, el resto del elenco trabaja de forma acompasada y complementaria. La música es excelente y estuvo a cargo de Warbeck un experimentado de ese campo, ya que ha trabajado en Quills, en Shakespeare in love y La mandolina del capitán Corelli. La sorpresa es la fotografía que estuvo a cargo de nada más y nada menos que de Brian Tufano para los que vieron Trainspotting sabrán qué tipo de estilo tiene.

Un guión inteligente trabajado por Lee Hall , hacen de esta película un collage de todo: humor, drama, ternura, buenas actuaciones, buena dirección, bonitos diálogos, etc.. En su momento hizo que viera el baile con afiebrada añoranza y definitivamente a pesar de ser ñoña, se convirtió en uno de mis filmes favoritos del 2000.

LAS HORAS o Dolor X 3

En el 2002 al saber que Daldry filmaba nada más y nada menos que una historia cuya protagonista era Virginia Woolf, bueno, las “HORAS” para poderla ver se me hacían eternas. Finalmente, lo consigo, y tengo que decir que si tuviera que definirla con una sola palabra, esa sería Oscura, muy Oscura. Si bien es una oscuridad poética, hasta en algunos momentos bella, son casi dos horas de oscuridad, que transcurren sin el más mínimo vestigio de alegría para tu atribulada alma.

Es sabido que si se va a hablar de Virginia Woolf el tema no iba a ser muy feliz, una escritora londinense de quien ahora se supone que padecía el síndrome bipolar (maníaco-depresiva) y que además, sus tendencias sexuales fueron fuente de inagotables hipótesis, sin contar con el suicidio elegido por otros como Storni, un lecho de muerte en el agua, ya podemos imaginar por lo menos, hacia dónde apuntará la cosa. Pero no pensé que fuera a TRIPLICAR nuestro sufrimiento.

La cosa empieza precisamente con la famosa escena, Woolf (Kidman) entrando al agua, aliviando sus penas, separándose de este mundo al que no pertenece y en el que no encuentra un lugar, Woolf viviendo su último segundo dentro de las lentas y largas horas que suponían una eternidad, un pozo ciego, el excremento en que estamos hundidos todos los mortales. Se escucha en off la última carta que le escribe a Leonard (su esposo), paralelamente volveremos a ver a Woolf en vida, antes de tomar la decisión, escribiendo su famoso libro Mrs. Dalloway, diciendo que uno de los personajes tenía que morir para que los demás vivieran. A su vez, el libro será leído en otro tiempo y en otro lugar, por Laura Brown (Julian Moore) a quien le suceden cosas que guardan relación con los escritos o las sensaciones que plasma Woolf en su obra. Laura es una ama de casa con un hijo pequeño y un marido que trabaja durante todo el día, la sensación que nos deja Laura es la de una infelicidad profunda.

Por otra parte, surge Clarissa (Meryl Streep) también en otro lugar y tiempo distintos, su relación con la obra de Woolf surge a raíz de una identificación con Mrs. Dalloway, Clarissa es una mujer de edad madura, que vive una relación lésbica y a su vez se encarga de un amigo muy querido enfermo de SIDA, un poeta consumido por la enfermedad pero que tuvo su historia con Clarissa. Si bien, son historias en tiempos y lugares diferentes, tienen como común denominador la presencia de Woolf y la identificación con su mundo oscuro, las tres mujeres son infelices, y las tres parecen pensar que hay una sola solución al respecto, esto no me parece para nada increíble, el suicidio es un idea que se construye durante años no surge simplemente porque una mañana la gente se levanta un tanto bajoneada y lo decide, es consecuencia de un proceso que ha sido gestado durante mucho tiempo.

La historia está magníficamente relatada, es densa, porque el tema es denso, es oscura, porque el tema es oscuro, es desdichado porque el tema es de desdicha. El guión es una joyita, puede sonar un poco rebuscado, pero estamos hablando de Virginia Woolf, creo que amerita un tratamiento un poco más pesado a los diálogos, además los personajes no eran seres ordinarios tampoco, eran personas que habían tenido acceso a la literatura o que compartían una búsqueda por encontrarle sentido a la vida. La dirección me pareció muy buena también, está dirigida con clase, maneja bien los tiempos, los cambios de personajes, los significados de cosas no dichas, mantiene la poesía incluso ante algo tan grotesco como el suicidio, y deja caer los besos lésbicos de manera adecuada, en el momento justo.

Las actuaciones son de lujo, desde Nicole Kidman que convence en su papel de la atormentada Virginia, pasando por Meryl que nos hace creer en CLarissa y Julianne Moore que hace de Laura Brown un manifiesto de la impotencia. Ed Harris logra transformarse en el poeta suicida, y el resto del elenco acompaña un desfile de actuaciones de primera categoría. Se ha mencionado mucho el tema de la duración de la película y que se siente pasar más lenta que un caracol, creo que el título y el contenido del film, ameritaban también un manejo lento de la historia, basta imaginarse como serían los días para Clarissa, laura o Virginia, que los días deben haber pasado lentos, ociosos, pesados, asfixiantes, ante sus ojos.

Esa sensación queda en el espectador también, ese ahogo, ante un dolor que sabemos que existe pero que no se puede remediar. Como punto negativo, reitero, está lo denso, lo oscuro, lo triste del film, podés sentir como “bella” la película, pero con un sentimiento de pesar, de tristeza que te acompaña mientras salen los créditos, por eso mismo no la recomendaría por nada del mundo si estás pasando un mal momento.

La recomiendo para aquellos amantes del buen cine, para los fans de Virginia Woolf y para aquellos que se consideren capaces de soportarla. Mientras tanto… “Uno no puede traer hijos a un mundo como éste. Uno no puede perpetuar el sufrimiento, ni aumentar la raza de estos lujuriosos animales, que no tienen emociones duraderas, sino tan sólo caprichos y vanidades que ahora les llevan hacia un lado, y luego hacia otro.” (Mrs. Dalloway de Virgina Woolf)

THE READER o El horror está en todas partes

El 2008, Daldry volvió. Vi The Reader, sabiendo que vería algo bueno. Es imposible tener dos películas tan buenas como las ya mencionadas, y mandarse una cagada después.

No me equivoqué. The Reader aborda de manera conmovedora una historia que es difícil de contar y que, para algunas mentes cerradas, podría tratarse de una justificación del horror.

Kate Winslet da vida a Hanna con innegable maestría. Hanna se transforma en lo que hace que este filme alcance momentos mágicos. Abarcando un periodo temporal que va desde finales de los 50s hasta mediados de los 90s, el filme nos cuenta cómo Hanna conoce a un adolescente Michael. Michael un ávido lector, cae enfermo en la calle y es Hanna quien solidariamente lo recoge, lo lleva a su casa y lo cuida.

Se desata una pasión entre la mujer mayor y el muchacho. Pasión matizada con literatura, ya que a Hanna le encanta que Michael le lea. El cuento que servirá de hilo emocional para este amor, es La Dama y el Perrito de Chéjov. Cuento que al ver el filme tuve que buscar, leer, analizar y volver a leer. No puedo batallar contra mis obsesiones.

Esta primera parte, entonces, somos testigos de una relación amorosa, un tanto prohibida por el tema de edades y status sociales, pero dentro de todo…conmovedora. La pareja construye un mundo habitado solamente por ellos, donde se resguardan del exterior y donde a través del sexo, los libros, crean un vínculo único. Un buen día, Hanna desaparece sin dejar rastro…

Hasta este instante, somos partícipes de lo bueno, lo puro y lo bello.

8 años después, siendo Michael estudiante de Derecho, le toca presenciar un juicio…dicho juicio lo lleva a enfrentarse a esa pasión que él, a pesar del tiempo, no ha olvidado, y que hace que descubra un pasado de Hanna difícil de comprender.

La imagen que él tiene del amor que compartieron, se tiñe y transforma ante hechos que bajo sus ojos son atroces. Es una situación jodida por donde se la mire. Se libran muchas batallas interiores donde obviamente existe un sentimiento profundo, pero que sucumbe ante el bochornoso descubrimiento.

El tiempo, que todo lo cura y lo reflexiona, hace que muchos años después, Michael se pregunte un montón de cosas y trate de encontrar respuestas en la mujer a la que dio la espalda por el rechazo que produjo su secreto.  Dicho secreto se enmarca en el periodo de la segunda guerra mundial, en el holocausto, y con esas palabras ustedes sabrán que cualquier cosa relacionada a eso, traerá sufrimiento e historias tan terribles que cuesta contarlas.

Filmada con el estilo elegante, pulcro y casi poético que maneja Daldry, la película consigue envolverte y meterte en la historia, sufriendo los vaivenes de los protagonistas como propios.

Si bien es cierto que tanta elipsis temporal, llega a quitarle fuerza. Estamos ante un trabajo que sustentado en la magnífica interpretación de Kate Winslet, vale la pena ver. Cuenta también con la actuación solvente aunque no impactante de Ralph Fiennes y un joven sobresaliente David Kross, que hace de Fiennes en joven.

Lo rescatable de The Reader, es que a pesar de su tónica comercial que no consigue trascender hasta vericuetos más de cine de autor, su factura técnica es impecable, y su argumento central tiene el peso necesario como para que uno como espectador se sienta conflictuado y provoque un ejercicio de reflexión interesante.

La idea de un personaje como el de Hanna, en el que deberíamos verter un rechazo inmediato por su participación en un evento tan traumático como el holocausto, y que a pesar de saber que dicha participación es voluntaria, que involucra una convicción, llegar a entender o por lo menos intentar entrar en su modelo mental, nos recuerda que en el ser humano, por muy monstruoso que este parezca, siempre conviven dos facetas…una buena, otra oscura.  Dos orillas en las que la misma persona que ayuda a un muchacho como Michael sin siquiera conocerlo,  se envuelve en un acto aberrante.

La redención, la verguenza ante el analfabetismo, una verguenza que choca ante el contraste de la terquedad de Hanna para verbalizar su arrepentimiento ante el horror del que fue parte…el amor, la pasión, el perdón, son parte de The Reader. El final llega como la única salida para una vida que ante su ocaso…se ve incapaz de enfrentarse de nuevo al mundo.

Basado en un libro homónimo, con trabajo de maquillaje muy bueno, haciendo que los protagonistas envejezcan ante nuestra llorosa mirada, Daldry nos reconfirma que su talento como director es impecable. Nos regala a Hanna, Hanna que acertadamente dice una de las frases lapidarias del filme: It doesn’t matter what I feel. It doesn’t matter what I think. The dead are still dead.

* Mónica Heinrich

Revista Aullidos de la Calle

Banda Ancha Recargado

Cortometraje Ring Ring

Sin duda es una película que dará que hablar no solo por la presencia actoral de gran nivel del elenco protagónico (Pablo Fernández, Jorge Arturo Lora y  Alejandro Molina) sino también de su producción audiovisual en formato digital y su tecnología 3D.

La película sigue en cartelera, les dejamos con el trailer y una pequeña sinopsis de esta película.

Sinopsis

En la Víspera de carnaval, dos asaltantes y su víctima quedarán atascados en el ascensor de un edifico ejecutivo, al cual nadie volverá hasta pasado los tres días de fiesta, ellos tendrán que encontrar la manera de convivir sin matarse mutuamente.

Trailer

En “Artenferencias ” el cine se mezcla y se confunde con otras artes, produciendo estímulos sonoros y visuales que nos permitirán sumergirnos por un momento en una partitura de Bach, una obra de Lope Vega o en las pinturas de Antonio López y Francisco de Goya.

Un deleite para los sentidos.

06/10
El Silencio antes de Bach (Pere Portabella) + cortometraje boliviano

13/10
La dama boba (Manuel Iborra)

20/10
El Sol del Membrillo (Víctor Erice)

27/10
Goya en Burdeos (Carlos Saura)